P•unk: a loud, fast-moving and agressive form of rock music, polular in the late 1970s.

When asked how he evaluate the curatorial approach of the show Art/Africa at the Louis Vuitton Foundation, Kendell Geers [Johannesburg, South Africa] replies: “A Neo-colonialist fantasy”.

The artist, who decided to run away from his family home at the age of 15, conciously fighting against his education, morality, family values and religion, doesn’t mince his words when it comes to analyze the way Western culture approaches the continent where he was born. His work is definitely autobiographic but it’s also clear than life and art mix together for a higher cause: talk about identity, represion , intolerance or patriarchy.

From the subtlety of using barbed wire in some of his sculptures like “House of spirits” (see below) to the violence of “Bloody Hell” where he try to clean himself with his own blood, he critizise not only society but also the Art World which he reckons it is full of cynicism and it is becoming a parody of itself.

To me Geers is one of those examples of contemporary artist which work shall transcend. I find it genuinely coherent in whichever form or format he decides to use; his work does not sound preachy to us, his texts are not moralizing. On the contrary Kendell Geers always invite the audience to make their own conclusions. He believes Political Art should not be about telling the public who to / not to vote but about building a critical and reflexive society, individuals who think by themselves. He is not trying to “reveal mystic truths”  because the role of the artist is no longer that.

Cuando se le preguntó como valoraba el enfoque curatorial de la exposición Art/Africa en la Fundación Louis Vuitton, Kendell Geers [Johannesburg, South Africa] responde: “Una fantasía neocolonialista”.

El artista, que decidió huir de su casa familiar a la edad de 15 años, oponiéndose conscientemente a su educación, moralidad, valores familiares y religión, no tiene pelos en la lengua a la hora de analizar la forma en que la cultura occidental se acerca al continente que lo vio nacer. Su trabajo es sin lugar a dudas autobiográfico y sin embargo arte y obra se entremezclan por una causa mayor: hablar sobre cuestiones como identidad, represión, intolerancia o patriarcado.

Desde la sutileza de usar alambre de púas en varias de sus esculturas como “La casa de los espíritus” (ver más abajo) hasta la violencia de su performance “Infierno sangriento”  en donde trata de limpiarse con su propia sangre, Geers critica tanto a la sociedad como al propio mundo del arte, que según su opinión está lleno de cinismo y se está convirtiendo, en muchos casos, en una parodia de sí mismo.

Desde mi punto de vista, Geers es uno de esos ejemplos de artistas contemporáneos cuyo trabajo debe transcender y transcenderá. Lo encuentro especialmente coherente en cualquier de sus formas o formatos; su trabajo no nos sermonea, sus textos no buscan moralizarnos. Por el contrario, Kendell Geers siempre invita a la audiencia a sacar sus propias conclusiones. Él cree que el Arte Político no debe decirle al público a quién o a quién no debe votar, sino que su misión es construir una sociedad crítica y reflexiva, individuos que piensan por sí mismos.


Poster of the exhibition “AfroPunk” at Galerie Rodolphe Janssen with the collaboration of Galerie Didier Claes, Brussels

Manifest — 2007, Blue neon (What Do You Believe In), 300 x 270 cm

Manifest — 2007, Blue neon (What Do You Believe In?), 300 x 270 cm

House of Spirits — 2005, steel razor mesh, iron

House of Spirits — 2005, steel razor mesh, iron


Kendal Geers site: http://www.kendellgeers.com/labyrinth

Rua Red Gallery: http://www.ruared.ie/



P•arable: a short allegorical story designed to illustrate or teach some truth, religious principle, or moral lesson.

Nicholas Hlobo [South Africa, 1975] is a visual storyteller. He creates a dense and profound universe of semi-mythological creatures which represent perfectly this constant link between his post-apartheid African roots and some of the most common contemporary questions as sexual identity, masculinity or ethnicity.

One of his newest shows “Sewing Saw” pivots on the focal piece “UmBhovuzo” (see image below), where three men sitting on a set of a disproportionately tall set of desk and chairs, sawing an antique sewing machine that subconsciously took the spectator away from the typical standars of an assambly line. Instead Hlobo is asking you to look closer at the craftman who is, all at once, the creator and the executor of his own destruction.

We are never as beautiful as we look from the outside, there are layers of information missing when you approach yourself and the others only from a distant, far from cords, plugs and connecting points which truly define us. When we decide not to look deeper, we decide not to seek for the real truth within ourselves and therefore there is a separation between the body and the mind; somehow the body keep on growing and this process never stops.

The result is equally seductive and grotesque. Hlobo invites us to reach our own conclusion, to start our own journey. We become the additional layer of meaning, therefore the piece working both independently and collectively.

Nicholas Hlobo [South Africa, 1975] es un narrador visual. Tiene el poder de crear densos y profundos universos de criaturas semi-mitológicas que representan a la perfección un vínculo constante en sus trabajos entre sus raíces africanas post-apartheid y algunas de las cuestiones contemporáneas más comunes como son la identidad sexual, la masculinidad o la identidad étnica.

Uno de sus nuevos trabajos “Sewing Saw” pivota al rededor de una pieza central “UmBhovuzo” (ver imagen ) en dónde nos sitúa a tres hombres sentados en un set de sillas y mesas fuera de escala, utilizando una máquina de coser antigua que de manera subsconsciente nos sitúa al espectador lejos de la típica cadena de montaje. El objetivo aquí es mirar de cerca al artesano, quién es, a la vez, creador y ejecutor de su propia destrucción.

Nunca somos tan perfectos o bellos como se nos percibe desde el exterior, hay capas y capas de información que se pierden cuando uno se acerca a si mismo o a los demás desde un lugar lejano. lejos de todos esos cables, enchufes y puntos de conexión que nos definen. Cuando decidimos no mirar más profundamente, estamos decidiendo no buscar la verdad en nuestro interior y por ello se genera una separación entre cuerpo y mente. De alguna manera nuestro cuerpo sigue creciendo; el proceso nunca termina.

El resultado es igualmente seductor y grotesco. Hlobo nos invita a embarcarnos en un viaje y nos reta a sacar nuestras propias conclusiones. Nos convertimos así, en otra capa más de significado, validando la obra tanto a nivel individual como colectivo.

ingubo yesizwe, 2008 leather, rubber, gauze, ribbon, steel, found ball and claw chair leg, butcher's hook, chain 150x260x3000 cm

“Ingubo yesizwe”, 2008. (Commissioned by the Tate Modern).

balindile IV, 2012

“Balindile IV”, 2012.

Sewing Saw at Stevenson in Woodstock.

‘umBhovuzo: The Parable of the Sower’ (2016)

Nicholas Hlobo at Artsy: https://www.artsy.net/artist/nicholas-hlobo

“Sewing Saw” on vimeo: https://vimeo.com/194946136

Prismatic | SUSAN HILLER

P•rismatic; spectral in color, brilliant.

Last weekend, my friends and I have finally visited the newest IMMA’s exhibition “As above, so below: Portals, Visions, Spirits & Mystics”; a major curatorial piece involving well-known artist from the latest years of the XIX century to nowadays, divided in four sections called Portals (1), Below (2), Above (3) and Beyond (4), avoiding this time the classic chronological structure.

At the main facade of IMMA’s building, the installation “Interventu” by the Brazilian artist Stephan Doitschinoff is a statement that puts you in the right place to start the experience. Once inside, you can enjoy some works by Wassily Kandinsky, Alejandro Jodorowsky, Hilma af Klint or Aura Satz – to name a few – around the concepts of spirituality and parallel worlds. I would actually like to do a few more posts during this week about other artists exhibited in the show, but for now I want to focus on the work of Susan Hiller [ Cleveland, Ohio, 1940] which was incredibly touching for me as well as a completly new discovery.

What I found deeply captivating about her early works is the way she tries to sabotage the rigid borders of Conceptualism from the inside by using its own tools; serialization, duplication, rigorourness, a grid pattern and so on. But the transgression appears as her works differ from the usual subject of traditional Conceptual Art and its full of subjetivity. It always has a personal and visually appealling vision, as we can see in “Rough Seas” beneath. Susan’s work deals with the idea of select different types of cultural artefacts produce by our society and, with certain irony, either try to solve the problem or at least categorize it.

La semana pasada, mis amigos y yo nos decidimos por fin a visitar la nueva exposición del IMMA “As above, so below: Portals, Visions, Spirits & Mystics”, una magnífica pieza curatorial que involucra a artistas muy conocidos desde los últimos años del siglo XIX hasta nuestros días y se encuentra dividida en cuatro secciones tituladas Portales (1), Debajo (2), Encima (3) y Más allá (4), evitando esta vez la clásica estructura por orden cronológico.

En la fachada principal que da acceso al Museo Irlandés de Arte Moderno (IMMA), nos encontramos con una instalación “Interventu” del artista brasileño Stephan Doitschinoff  que nos va a posicionar de manera magistral hacia el tipo de experiencia que esta apunto de comenzar. Una vez dentro, disfrutaremos de trabajos de artistas de la talla de Wassily Kandinsky, Alejandro Jodorowsky, Hilma af Klint or Aura Satz – por nombrar algunos – versando siempre al rededor de los conceptos de espiritualidad y posibles mundos paralelos.

Me encantaría escribir alguna entrada más durante la próxima semana a cerca de otros artistas aquí expuestos, pero por el momento quiero centrarme en el trabajo de Susan Hiller [ Cleveland, Ohio, 1940] ya que me pareció una obra tremendamente conmovedora y es una artista completamente desconocida para mí.

Lo que me pareció tremendamente cautivamente, una vez empecé a investigar a la artista, es la manera en la que, especialmente en sus primeros trabajos, decide posicionarse en contra de las rígidos confines del Conceptualismo y  lo hace usando sus mismas herramientas; series de imágenes, duplicidad, rigidez, el uso de la cuadrícula, etc. Pero su transgresión aparece precisamente cuando se diferencia de los objetos de estudio tradicionales del Arte Conceptual y llena su trabajo de subjetividad, usando una visión personal y atractiva, como podemos apreciar en “Rough Seas” más abajo. La obra de Susan versa alrededor de la idea de cierto “artefactos culturales” que son producidos por nuestra sociedad actual, y son tratados con la ironía necesaria, bien con la intención de resolver el problema o como mínimo categorizarlo.

homenage to Marcel Duchamp Aura Blue boy 2011

     Homenage to Marcel Duchamp. Aura. Blue Boy. (2011) | Currently at IMMA’s exhibition “As above, so bellow”.

Midnight, Euston. 1983

Midnight, Euston. (1983)

rough seas 1982

Rough seas. (1982)

IMMA’s “As above, so bellow”: http://www.imma.ie/en/page_237202.htm

Susan Hiller: http://www.susanhiller.org/home.html


P•erimeter; a line bounding or marking off an area.

Arts and Craftsmanship become the same thing in the work of Willy Verginer [ Bressanone (Italy), 1957]. His work is being highly influenced by his own roots, the landscape and the beauty of materials. Always trying to find the most suitable type of wood for each work showing the relationship between nature and philosophy.

I can’t help but relate his art with Robert Rauschenberg’s first “combine” works as Monogram (1950), where we have this stuffed goat passing through an automobile tire displayed over a wooden platform. Verginer believes there are not such a thing as contemporary materials as at the end it will depend on how they are used and they will always be subordinated to the idea and the work.

It is an absolutly plesure to see how he applies the resin over the wood, starting from the face and dripping down to the body. There are some videos in youtube where you can find his work in process for his exhibition in La Biennale di Venezia 2009; Doctor Frankenstein at his best.

Arte y Artesanía se vuelven uno en la obra de Willy Verginer [ Bressanone (Italia), 1957]. Su trabajo se ve muy influenciado por sus propias raíces, el paisaje y la belleza de los materiales. Centrándose en la relación entre naturaleza y filosofía, trata siempre de encontrar el tipo de madera más adecuando para cada obra.

Es inevitable relacionar su línea de trabajo con el artista americano Robert Rauschenberg y sus primeras “combine” allá por los años 50. En Monograma por ejemplo, vemos a una cabra embutida en un neumático de automóvil y expuesta sobre una plataforma de madera. Verginer opina que no hay materiales más o menos contemporáneos, sino que la contemporaneidad de los mismos radica en cómo se usen, estando siempre subordinados a la idea en última instancia.

Es realmente un placer ver como aplica la resina sobre la madera, empezando por la cara y goteandola hacia el resto del cuerpo. Hay varios videos en Youtube y Vimeo donde podéis echar un vistazo a su proceso de trabajo para la Bienal de Venecia; el viejo Doctor Frankenstein en su mejor momento.

Occhi Rossi Apple wood and acrylic

Occhi Rossi. Apple wood and acrylic.

Schatten im Wasser, 2016 Liden Wood, Acrylic paint

Schatten im Wasser, 2016. Liden wood and acrylic painting

Paris Art Web - Sculpture - Willy Verginer

Willy Verginer site: http://www.verginer.com/eng/index.php

Artsy: https://www.artsy.net/artist/willy-verginer

La Biennale di Venezia: http://www.labiennale.org/en/Home.html


P•ark: an area of land, usually in a largely natural state, for the enjoyment of the public, having facilities for rest and recreation, often owned, set apart, and managed by a city, state or nation.

This is the second post in a row  where I’m writing about an artist work exhibited at the RHA Gallery (Dublin), cause I am being constantly surprised by the quality and coherence of its temporal exhibitions.

Jennifer Cunningham [Galway, Ireland] wisely titled her show “All that surround us”. The audience is challenged to beam themselves up to an atmosphere of anachronic decay created by pieces using mixed media (drawings, installation and video) where ghostly figures, abandoned fairgrounds and glass houses in ruins are the main protagonists.

You got the feeling of a certain naive optimism where change and new opportunities are around the corner, mixed with the remains of the recent economic struggles. There is something touching a universal about this show, like listening to that extremely sad song that nevertheless, somehow, makes you happy. A good dosis of Paracetamol tablets for the soul.

Sé que es la segunda publicación que hago recientemente sobre el trabajo de un artista que expone en el RHA Gallery (Dublín) pero lo cierto es que cada vez que visito este museo me sorprendo más con la calidad y coherencia de sus exposiciones temporales.

Esta vez os voy a hablar del show de Jennifer Cunningham [Galway, Irlanda] titulado muy acertadamente “All that surround us” – Todo lo que nos rodea . El espectador es teletransportado a una atmósfera de decadencia anacrónica creada por obras en dónde figuras fantasmagóricas, parques de atracciones abandonados e invernaderos en ruinas son los principales protagonistas, usando para ello diferentes medios como pintura, video o instalaciones, entre otros.

Te acompaña un sentimiento de optimismo ingenuo, en dónde el cambio y las nuevas oportunidades están a la vuelta de la esquina y comparten espacio con los restos de la reciente crisis económica y los problemas que de ella derivaron. Hay algo de universal y conmovedor en este show, como escuchar esa canción extremadamente triste que sin embargo te hace feliz; una buena dosis de Paracetamol para el alma.

a girls world

“A girls World” video.

darkness on the edge of town, 30x 22inch, mixed media

“Darkness on the edge of town” 30×22 inch, mixed media.


“Unnamed”, mixed media.

Jannifer Cunningham website: https://jennifercunningham.ie/

Royal Hibernian Academy Gallery http://www.rhagallery.ie/

Participator | MAGALI CAZO

P•articipator: to take part or have a share, as with others.

During my trip to Edimburgh, last December, I was recommended by a friend to visit the current headquarter of the Scottish National Portrait Gallery ..so I did!. I can assure you it’s one of the most beautiful Gothic Revival buildings I’ve ever seen in my entire life and its inside doesn’t demerit its outside at all. The permanent collection it’s quite impressive but there was one artist who got my attention in particular, due to her spontaneity and way to communicate ideas; Magali Cazo, the winner of the BP Travel Award 2015.

Magali is a painter and designer who studied Fine Art techniques at the Ateliers Beaux-Arts in Paris and anatomy with Michel Lauricella. She considers drawing as a form of writing, reason why she’s being highly influenced by comic language and it’s an important aspect of her artistic expression, focused on the construction of the story.

Durante mi viaje a Edinburgo el pasado Diciembre tuve la suerte de visitar, por recomendación de una amiga, uno de los edificios neogóticos más espectaculares que jamás haya visto, sede de la actual Scottish National Portrait Gallery. He de añadir que el contenido no desmerece en absoluto la calidad del edificio. Me encantó su colección permanente pero también hubo un artista que llamó mi atención debido a su frescura y su forma de comunicar ideas; Magali Cazo, la ganadora del BP Travel Award 2015.

Magali is una pintora y diseñadora que estudió distintas técnicas de Bellas Artes en el Ateliers Beaux-Arts de la ciudad de Paris así como anatomía con Michel Lauricella. Considera el dibujo una forma de escritura y es por eso que el lenguaje del comic tiene gran influencia en su obra, en donde la construcción de la historia es el centro de su expresión artística.


“La beauté de Tamani” Travel Award at BP Portrait Award 2015


“Sauvageonne” (2014)



Magali Cazo site: http://cargocollective.com/magalicazo

Magali Cazo’s blog: http://lesjoursdelune.blogspot.ie/

Michel Lauricella: http://www.michellauricella.com/

Peculiar | PARKER DAY

P•eculiar; characteristic of some person, group or thing.

In a Word which seems to be more and more aware of the importance of avoiding gender trivialization and the negatives effects of traditional stereotypes, Parker Day [Los Angeles based, born 1984] starts a fight against our preconceived and socially acceptable notion of beauty and identity.

Using exclusively 35mm film (no photoshop) the artist creates his fictionalized portraitures by talking about that thin line between the concepts female/male and fantasy/reality and how to make it dissapear. If you don’t take the time to analise his work properly it may seem that he is sending us a contradictory message by using lots of makeup, extravagant clothing and saturated colours. Nevertheless, by doing this, he making us think about gender as the social construction it is.

“Icons” is the artist’s more ambitious project and first solo exhibition who will be presented in Los Angeles and Portland in 2017.

Vivimos en un mundo que cada día se muestra más consciente de la importancia de evitar cuestiones triviales con respecto al género y los efectos negativos de estereotipos tradicionales. Parker Day [establecido en Los Angeles, nacido en 1984] empieza su propia lucha en contra de la idea socialmente aceptada de belleza e identidad.

Usando exclusivamente película de 35 mm (nada de photoshop) el artista consigue crear retratos ficticios para hablar de la delgada línea que existe entre los conceptos femenino/masculino o fantasía/realidad y más tarde hacerl desaparecer. Si no nos detenemos lo suficiente podemos incluso pensar que nos manda un mensaje contradictorio usando toneladas de maquillaje, ropa extravagante y colores saturados en sus retratos. Sin embargo, precisamente al hacer esto, nos hace pensar en el género como esa construcción social que realmente es.

“Icons” es por el momento el proyecto más ambicioso del artista y será presentado en 2017 en Los Ángeles y Portland.


“God Bless America”


Ernie Omega

Cheeky Maa, 18 - Club kid; model; artist

Cheeky Maa

Parker Day’s website: http://www.parkerdayphotography.com/

Instagram: https://www.instagram.com/heyparkerday/


P•ure: free from any extraneous or dissimilar materials, elements, etc.

Neil Krug [1983] manages to capture pureness and serenity using only film and colouring. In artist’s own words: “Does fast food taste better than a well-prepared meal from a chef?”. No, it doesn’t. Maybe avoiding the rapid rate of modern industry is the reason why his work has reminiscences of a another time, a mixed aesthetic between Fellini’s glamourous characters, Spaghetti Westerns and Woodstock’s carefree hippies.

This photographer and filmmaker basen in Los Angeles has worked for such a talented bunch of musicians as Tame Impala, Bat for Lashes, Lana del Rey or Devendra Banhart giving each of them a signature style for their album covers as well as their social media or magazine appearance.

Neil Krug [1983] logra capturar pureza y serenidad usando únicamente fotografía analógica y tintes. En palabras del propio artista; “¿Sabe mejor la comida rápida que un plato preparado adecuadamente por un chef?”. La respuesta es no. Y quizás por ese “evitar” el ritmo frenético de la industria moderna, su trabajo nos transporta a otra época; una mezcla entre la estética de los glamurosos personajes de las películas de Fellini, los Spaghetti Westerns y la tranquilidad del movimiento hippie en los años de Woodstock.

Este fotógrafo y cineasta asentado en Los Angeles ha trabajado para un gran numero de talentosos musicos como Tame Impala, Bat for Lashes, Lana del Rey o Devendra Banhart, dándoles a todos ellos un estilo reconocible para las portadas de sus álbums así como en cualquier aparición pública en revistas o redes sociales.


“Rose syrup” a collaboration with Natasha Khan.


“Pale Fire” with Lana del Rey



Neil Krug website: http://www.neilkrug.com/


P•olemic; a strong argument against some controversial issue, etc.

With a easily recognizable style, Joan Cornellà [Barcelona, 1981] powerfully illuminates contemporary life in a open and almost cruel manner. It tests the viewer to go to a journey through the deepest values and prejudices of our modern society, and he does it in a masterfully way, using only a few panels for it.

On his website you can find along with several publications (Staggered, Mox Nox and SOT) also some merchandise for developing your sense of (black) humor. Cornellà has worked for various fanzines as well as for the Spanish magazine El Jueves.

Con un estilo reconocible a primera vista Joan Cornellà [Barcelona, 1981] consigue ilustrar la vida contemporánea de un manera cruda y sin tapujos. Pone a prueba al espectador con sus viñetas de una sola página que nos transportan de manera magistral a un viaje por los prejuicios y valores de la sociedad moderna.
En su página puedes encontrar además de varias publicaciones (Zonzo, Mox Nox y Sot), merchandise para tomarse la vida con humor (negro). Cornellà ha trabajado para distintos fanzines así como para la revista española El Jueves.


Selfie (2015)



Joan Cornellà website: http://www.joancornella.net

El Jueves magazine: http://www.eljueves.es/

Perfection | JOHN BISBEE

P•erfection; the highest degree of ability, skill, or excellence.

As an Architect I pay attention to details; materials possibilities are part of my daily work, as they are for the talented sculpture John Bisbee [ EEUU, 1965 ] who has been working with nails for nearly three decades.

The artist himself says “What can’t you draw with a line? The nail is just my line.” I find this statement really accurate, because in Bisnee’s multiple exhibitions you can appreciate all kind of patterns, objects and installations made exclusively out of nails, which have the same expressivity as a freehand drawing.

Por deformación profesional, presto gran atención a los detalles; las distintas posibilidades de los materiales son parte de mi trabajo diario, como lo son también del talentoso escultor John Bisbee [ EEUU, 1965 ] quién lleva trabajando con clavos casi tres décadas.

El propio artista lo dice  “¿Qué no puedes dibujar con una línea ? El clavo es mi línea.”. Encuentro esta afirmación particularmente acertada, ya que en cualquiera de las numerosas exposiciones de Bisnee podemos apreciar todo tipo de patrones, objetos e instalaciones hechas exclusivamente de clavos; y todo esto con la misma expresividad de un dibujo a mano alzada.

Stick, Rove, Plode

Stick, Rove, Plode (2002).


“Slack” (2000) | Welded, bent 12-inch spikes.


John Bisbee website: http://www.johnbisbee.com/