Poster | TADANORI YOKOO

P•oster: a large, stiff piece of paper with a message on it, posted in a public place, as for advertising.

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I have always had this fascination – and I am quite sure I am not alone here- with Japanese culture since I was a little kid. It probably derived from anime, which I watched compulsively since a very young age and this interest evolved towards literature, cinema, architecture, food and all sorts of art forms. Because let’s face it, Japanese people tend to stand out.

However, the World of Japanese graphic design is practically unknown to me. Only this ignorance can explain why Tadanori Yokoo’s (Japan, 1936) work has remained hidden for me until now. But people said is never too late, so let’s go!

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Siempre he tenido esta fascinación -y estoy bastante segura de que no seré la única- por la cultura japonesa desde que soy una niña. Posiblemente todo empezó con el anime que veía de manera casi compulsiva desde una edad muy temprana, y este interés evolucionó hacia la literatura, el cine, la arquitectura, la comida y todo tipo de manifestaciones artísticas. Porque, afrontémoslo, los japoneses sobresalen en todo aquello que se proponen.

Sin embargo, he de reconocer, que el mundo del diseño gráfico japonés es prácticamente desconocido para mí. Sólo esta ignorancia por mi parte, puede justificar el hecho de que el trabajo de Tadanori Yokoo (Japón,1936) permaneciese oculto para mí hasta ahora. Pero nunca es tarde si la dicha es buena, así que ¡vamos allá!

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The dream merchant fairies (1965)

Marie in furs (1968)

Ballad dedicated to an amputated little finger (1967)

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Tadanori Yokoo website: http://tadanoriyokoo.com/

Tadanori Yokoo work at MOMA: https://www.moma.org/artists/6502

Personalilty | MIGUEL TRILLO

P•ersonality: all the characteristics that an individual possesses in his or her character.

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After a year of hard work and lots of studying, I return to this blog of mine for Photography Day, an art form I sincerely love, both as amateur and as spectator. But enough about me! Today I am going to talk a bit about Miguel Trillo (Cádiz, 1953) cause I was lucky enough to see one of his exhibitions last spring at the Niemeyer Center in Avilés. A place I totally recommended, by the way, not only cause of its program but also cause of its beautiful architecture.

They say a good photographer is capable of reflecting the soul of the people he/she portrays in a single shot. Under that definition the Spanish photographer is undoubtedly one of the greatest. Infront of his camara models are relaxed and confident, like talking to an old friend.

As most people I first heard about Trillo due to his unstoppable portraits of music bands and all sorts of tribes related to the Madrid Scene in the 80`s. His photographs are a showcase which reflects the fashion and culture of a time marked by the end of Franco’s regime and the opening to a world of possibilities and freedom.

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Después de un año de duro trabajo y mucho estudio, vuelvo a este blog por el Día de la Fotografía, una forma artística que amo sinceramente, como aficionada y como espectadora. ¡Suficiente sobre mí! Hoy os voy a hablar de Miguel Trillo (Cádiz, 1953) ya que tuve la suerte de coincidir con su exposición en el Centro Niemeyer de Avilés la pasada primavera. Lugar que, por cierto, os recomiendo totalmente si aún no lo habéis visitado, tanto por su programación como por su bella arquitectura.

Se dice que un buen fotógrafo es capaz de reflejar el alma de la persona que está siendo retratada en un solo disparo. Bajo esta definición diría que el fotógrafo español Miguel Trillo es sin duda uno de los grandes. Delante de su cámara los modelos se muestran relajados y confiados, como si estuviesen hablando con un viejo amigo.

Como la mayoría de la gente, escuché hablar de Trillo por primera vez a través de la Movida Madrileña de los años 80 en el que sin descanso, retrataba a grupos musicales y a todo tipo de tribus urbanas. Sus fotografías son un escaparate que muestra la moda y cultura de una época marcada por el fin del régimen franquista y la apertura a un mundo lleno de posibilidades y libertad.

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Concierto (1986) de MIguel Trillo

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Junto a la discoteca Voltereta (1990) de Miguel Trillo

Fanzine Rockocó (1980-84) de Miguel Trillo

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M. Trillo’s website: http://migueltrillo.com/

Centro Niemeyer: https://www.centroniemeyer.es/prensa/el-centro-niemeyer-reabre-sus-puertas-con-una-nueva-exposicion-de-fotografia-de-miguel-trillo/

Patriarchy | TOMASO BINGA

P•atriarchy: an institution or organization in which power is held by and transferred through males.

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It’s been a year since I wrote last post. Not in vain, I have learned lots about art and art education research this year as I recently graduated from my masters in Visual Art and Education. After writting a thesis about performance pedagogy trough gender issues it seems appropiate to talk about the importance of abolish the patriarchy as a social system back so we are going to talk about one of the many artists who contribute enourmostly to this fight; Tomaso Binga.

Social conventions strongly determines the identity of the individuals who belong to that particular society. These conventions cause segregation in fundamental issues for people’s lives such as the choice of university studies or future professions, our desires and projections, our sexual inclinations or even who should be responsible of family care.

The Italian artist Bianca Menna (in the papers) performed in 1977 an action in which she married her male alter ego Tomaso Binga, adopting his name from that moment on. Her intention was to vindicate multiple identities, gender nomadisms and transvestism, in a work that deals with totally contemporary issues.

She explored the ways of visual poetry, in several of these actions the artist dealt with issues relevant to gender and language in a purely visual way. In her Living Alphabet (1976) she poses naked to simulate with her body all the letters of the alphabet, through the different postures adopted we see the exhibition of the naked female body infront of the observer’s gaze.

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Ha pasado ya un año desde que escribí la última publicación. No en vano, he aprendido mucho sobre arte e investigación en artes este año, ya que recientemente me he graduado en el Máster en Artes Visuales y Educación. Después de escribir una tesis sobre la enseñanza de la performance tratando cuestiones de género, parece oportuno hablar de la importancia de abolir el patriarcado como sistema social imperante, por lo que hoy vamos a hablar de uno de los muchos artistas que han contribuido intensamente en lucha; Tomaso Binga.

Las convenciones sociales marcan fuertemente la identidad de los individuos que pertenecen a una determinada sociedad. Dichas convenciones causan segregación en cuestiones fundamentales para la vida de las personas como puede ser la elección de estudios universitarios o profesión, los deseos y proyecciones futuras, las inclinaciones sexuales o las responsabilidades de los cuidados familiares.

La artista italiana Bianca Menna (en los papeles) realizó en 1977 una performance en la que se casó con su alter ego masculino Tomaso Binga, adoptando el nombre de este a partir de aquel momento. Su intención era reivindicar las identidades múltiples, los nomadismos de género y el travestismo, en una obra que trata cuestiones totalmente contemporáneas.

Exploró las vías de la poesía visual, en varias de esas acciones trató temas relevantes al género y al lenguaje de una manera meramente visual. En su Alfabeto viviente (1976) se desnuda para simular con su cuerpo todas las letras del alfabeto, mediante las distintas posturas adoptadas vemos la exposición del cuerpo femenino desnudo ante la mirada del observador.

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Bianca Menna e Tomaso Binga oggi spose (1977) black and white photographs, diptych, 17×12 cm (each)

Alfabetiere-murale (1976)

Vista Zero 4 (1972)

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Another magazine: https://www.anothermag.com/art-photography/12059/tomaso-binga-italian-performance-artist-who-married-herself-in-the-70s-artissima

Play | RAEL SAN FRATELLO

P•lay: activity done for recreation or amusement, as by children.

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It often happens that children’s stories and games admit multiple readings.

With their best-known work “Teeter Trotter wall”, the architectural studio Rael & San Fratello [California 2002] help us understand on one hand the universality of the seesaw as a game that can bring children together and on the other hand the impact of any political decision, both sides of the wall, when talking about borders. In this case the installation happended in the wall that divides Mexico from the EEUU.

As an architect I have always admired the most social and political side of the architecture of the 60s, that side that was forgotten in the years of real estate boom and the crisis has brought back, hopefully to stay. In contemporary times there are quite a few practices that come back to this philosophy – remember that Forensic Architecture were shortlisted for the Turner prize in 2018 – and there are more and more institutions and museums that include architects in their exhibitions.

Returning to Ronald Rael & Virginia San Fratello, they define themselves as “a workshop of creative people interested in the world”.  For me, Architecture is multidisciplinary by nature and curious by necessity. The work of an architect it should not finish at a particular site but must be on the streets and create citizenship.

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A menudo pasa que los cuentos y juegos infantiles admiten múltiples lecturas.

En su obra  más conocida ” Teeter Trotter wall” el estudio de arquitectura Rael & San Fratello [California 2002] nos hacen ver, por una parte, la universalidad del balancín como elemento de acercamiento y juego de niños y por otra, la necesaria repercusión de cualquier decisión política cuando hablamos de frontera, a uno y otro lado de la franja que divide México de EEUU.

Como arquitecta siempre he admirado la vertiente más social y política de la arquitectura de los 60, esa cara amable que se olvidó en los años de boom inmobiliario y la crisis ha traído de vuelta, ojalá que para quedarse. En contemporaneidad hay bastantes prácticas que se vuelven a acercar a esta filosofía  – recordar que Forensic Architecture fueron preseleccionados para el premio Turner en 2018 – y son más y más las instituciones y museos que cuentan con arquitectos para sus exposiciones.

Volviendo a Ronald Rael & Virginia San Fratello, ellos mismos se definen como “un taller de personas creativas interesadas en el mundo”. Y es que la arquitectura es multidisciplinar por naturaleza y curiosa por necesidad. El trabajo de un arquitecto no es puede acabar en la obra sino que debe continuar en la calle y crear ciudadanía.

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aerial view  “Teeter Trotter wall” 2019

Sukkah of the Signs, 2010

The Straw Gallery, 2011

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Rael San Fratello architecture studio: http://www.rael-sanfratello.com

Emerging Objects project: http://www.emergingobjects.com/

Emerging voices 2014: https://youtu.be/CFdwyhJ0jyo

Also talked about Forensic Architecture: https://forensic-architecture.org/

Pillar | PILAR ALBARRICÍN

P•illar: a person important to or a supporter of a town, organization, etc.

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Maybe influenced by the Handmaiden’s Tale series and playing a bit with words, I have considered “Pilar” (pillar) enough of a title/introduction to understand the work of Pilar Albarricín [Sevilla, Spain]. Her Physical Self is most of the time the centre piece of her performances, videos, installations or photographs, in which the artist questions some of the most rooted archetypes of Spanish folkore and identity.

What I like the most about Pilar’s work is her irreverent sense of humor while talking about very serious issues. That mixture between elements of popular culture (plastic flowers, panties, kitchen appliences) and the highest contemporary questions, all addressed with freedom of speech and an attitude free of prejudices, which I believe, makes the audience identify and understand her art very closely.

After visiting her retrospective “Que me quiten lo bailao” at the Tabacalera (Madrid) last January, I have been researching her work and wanted to post about it. The same happened with other artists and exhibitions I have visited lately, but work and responsabilities got in the way. Finally I will have more time to dedicate to the blog and other art-related projects in the coming year. I will keep you posted!

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Quizás influenciada por la serie “El cuento de la criada”, y jugando con las palabras, he considerado “Pilar” (pillar en inglés) una introducción suficientemente clara para entender el trabajo de Pilar Albarricín [Sevilla, España]. Su ser físico es pieza central en la mayoría de sus performances, videos, instalaciones o fotografías, en dónde la artista cuestiona algunos de los arqueotipos más arraigados del folklore y la identidad española.

Lo que más me gusta de su trabajo es ese toque de humor irreverente a la hora de hablar de temas muy serios. Esa mezcla de contrastes, entre elementos de la cultura popular (flores de plástico, bragas, utensilios de cocina…) y las más altas cuestiones contemporáneas, abordadas desde la libertad de pensamiento y la falta de prejuicios, que hacen que, desde mi punto de vista, el público se identifique y entienda muy de cerca su arte.

Después de visitar su retrospectiva “Qué me quiten lo bailao” en Tabacalera (Madrid) el pasado enero, he estado investigando su obra y queriendo hacer una entrada al respecto. Lo mismo ha pasado con otros artistas y exposiciones que he visitado últimamente, pero el trabajo y otras responsabilidades se interpusieron. Parece que en el próximo año tendré más tiempo para dedicarle tanto al blog como a otros proyectos personales relacionados con el arte. Os mantendré informados.

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Presure Cooker (2001). Installation with sound.

Spanish tortilla (1999). Performance.

Singing prohibited, (2000). b&w photograph, 172,5 x 125 cm

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Pilar Albarricín: http://www.pilaralbarracin.com/obras.html

Punk | KENDELL GEERS

P•unk: a loud, fast-moving and agressive form of rock music, polular in the late 1970s.

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When asked how he evaluate the curatorial approach of the show Art/Africa at the Louis Vuitton Foundation, Kendell Geers [Johannesburg, South Africa] replies: “A Neo-colonialist fantasy”.

The artist, who decided to run away from his family home at the age of 15, conciously fighting against his education, morality, family values and religion, doesn’t mince his words when it comes to analyze the way Western culture approaches the continent where he was born. His work is definitely autobiographic but it’s also clear than life and art mix together for a higher cause: talk about identity, represion , intolerance or patriarchy.

From the subtlety of using barbed wire in some of his sculptures like “House of spirits” (see below) to the violence of “Bloody Hell” where he try to clean himself with his own blood, he critizise not only society but also the Art World which he reckons it is full of cynicism and it is becoming a parody of itself.

To me Geers is one of those examples of contemporary artist which work shall transcend. I find it genuinely coherent in whichever form or format he decides to use; his work does not sound preachy to us, his texts are not moralizing. On the contrary Kendell Geers always invite the audience to make their own conclusions. He believes Political Art should not be about telling the public who to / not to vote but about building a critical and reflexive society, individuals who think by themselves. He is not trying to “reveal mystic truths”  because the role of the artist is no longer that.

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Cuando se le preguntó como valoraba el enfoque curatorial de la exposición Art/Africa en la Fundación Louis Vuitton, Kendell Geers [Johannesburg, South Africa] responde: “Una fantasía neocolonialista”.

El artista, que decidió huir de su casa familiar a la edad de 15 años, oponiéndose conscientemente a su educación, moralidad, valores familiares y religión, no tiene pelos en la lengua a la hora de analizar la forma en que la cultura occidental se acerca al continente que lo vio nacer. Su trabajo es sin lugar a dudas autobiográfico y sin embargo arte y obra se entremezclan por una causa mayor: hablar sobre cuestiones como identidad, represión, intolerancia o patriarcado.

Desde la sutileza de usar alambre de púas en varias de sus esculturas como “La casa de los espíritus” (ver más abajo) hasta la violencia de su performance “Infierno sangriento”  en donde trata de limpiarse con su propia sangre, Geers critica tanto a la sociedad como al propio mundo del arte, que según su opinión está lleno de cinismo y se está convirtiendo, en muchos casos, en una parodia de sí mismo.

Desde mi punto de vista, Geers es uno de esos ejemplos de artistas contemporáneos cuyo trabajo debe transcender y transcenderá. Lo encuentro especialmente coherente en cualquier de sus formas o formatos; su trabajo no nos sermonea, sus textos no buscan moralizarnos. Por el contrario, Kendell Geers siempre invita a la audiencia a sacar sus propias conclusiones. Él cree que el Arte Político no debe decirle al público a quién o a quién no debe votar, sino que su misión es construir una sociedad crítica y reflexiva, individuos que piensan por sí mismos.

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Poster of the exhibition “AfroPunk” at Galerie Rodolphe Janssen with the collaboration of Galerie Didier Claes, Brussels

Manifest — 2007, Blue neon (What Do You Believe In?), 300 x 270 cm

House of Spirits — 2005, steel razor mesh, iron

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Kendal Geers site: http://www.kendellgeers.com/labyrinth

Rua Red Gallery: http://www.ruared.ie/

Parable | NICHOLAS HLOBO

P•arable: a short allegorical story designed to illustrate or teach some truth, religious principle, or moral lesson.

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Nicholas Hlobo [South Africa, 1975] is a visual storyteller. He creates a dense and profound universe of semi-mythological creatures which represent perfectly this constant link between his post-apartheid African roots and some of the most common contemporary questions as sexual identity, masculinity or ethnicity.

One of his newest shows “Sewing Saw” pivots on the focal piece “UmBhovuzo” (see image below), where three men sitting on a set of a disproportionately tall set of desk and chairs, sawing an antique sewing machine that subconsciously took the spectator away from the typical standars of an assambly line. Instead Hlobo is asking you to look closer at the craftman who is, all at once, the creator and the executor of his own destruction.

We are never as beautiful as we look from the outside, there are layers of information missing when you approach yourself and the others only from a distant, far from cords, plugs and connecting points which truly define us. When we decide not to look deeper, we decide not to seek for the real truth within ourselves and therefore there is a separation between the body and the mind; somehow the body keep on growing and this process never stops.

The result is equally seductive and grotesque. Hlobo invites us to reach our own conclusion, to start our own journey. We become the additional layer of meaning, therefore the piece working both independently and collectively.

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Nicholas Hlobo [South Africa, 1975] es un narrador visual. Tiene el poder de crear densos y profundos universos de criaturas semi-mitológicas que representan a la perfección un vínculo constante en sus trabajos entre sus raíces africanas post-apartheid y algunas de las cuestiones contemporáneas más comunes como son la identidad sexual, la masculinidad o la identidad étnica.

Uno de sus nuevos trabajos “Sewing Saw” pivota al rededor de una pieza central “UmBhovuzo” (ver imagen ) en dónde nos sitúa a tres hombres sentados en un set de sillas y mesas fuera de escala, utilizando una máquina de coser antigua que de manera subsconsciente nos sitúa al espectador lejos de la típica cadena de montaje. El objetivo aquí es mirar de cerca al artesano, quién es, a la vez, creador y ejecutor de su propia destrucción.

Nunca somos tan perfectos o bellos como se nos percibe desde el exterior, hay capas y capas de información que se pierden cuando uno se acerca a si mismo o a los demás desde un lugar lejano. lejos de todos esos cables, enchufes y puntos de conexión que nos definen. Cuando decidimos no mirar más profundamente, estamos decidiendo no buscar la verdad en nuestro interior y por ello se genera una separación entre cuerpo y mente. De alguna manera nuestro cuerpo sigue creciendo; el proceso nunca termina.

El resultado es igualmente seductor y grotesco. Hlobo nos invita a embarcarnos en un viaje y nos reta a sacar nuestras propias conclusiones. Nos convertimos así, en otra capa más de significado, validando la obra tanto a nivel individual como colectivo.

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“Ingubo yesizwe”, 2008. (Commissioned by the Tate Modern).

“Balindile IV”, 2012.

‘umBhovuzo: The Parable of the Sower’ (2016)

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Nicholas Hlobo at Artsy: https://www.artsy.net/artist/nicholas-hlobo

“Sewing Saw” on vimeo: https://vimeo.com/194946136

Prismatic | SUSAN HILLER

P•rismatic; spectral in color, brilliant.

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Last weekend, my friends and I have finally visited the newest IMMA’s exhibition “As above, so below: Portals, Visions, Spirits & Mystics”; a major curatorial piece involving well-known artist from the latest years of the XIX century to nowadays, divided in four sections called Portals (1), Below (2), Above (3) and Beyond (4), avoiding this time the classic chronological structure.

At the main facade of IMMA’s building, the installation “Interventu” by the Brazilian artist Stephan Doitschinoff is a statement that puts you in the right place to start the experience. Once inside, you can enjoy some works by Wassily Kandinsky, Alejandro Jodorowsky, Hilma af Klint or Aura Satz – to name a few – around the concepts of spirituality and parallel worlds. I would actually like to do a few more posts during this week about other artists exhibited in the show, but for now I want to focus on the work of Susan Hiller [ Cleveland, Ohio, 1940] which was incredibly touching for me as well as a completly new discovery.

What I found deeply captivating about her early works is the way she tries to sabotage the rigid borders of Conceptualism from the inside by using its own tools; serialization, duplication, rigorourness, a grid pattern and so on. But the transgression appears as her works differ from the usual subject of traditional Conceptual Art and its full of subjetivity. It always has a personal and visually appealling vision, as we can see in “Rough Seas” beneath. Susan’s work deals with the idea of select different types of cultural artefacts produce by our society and, with certain irony, either try to solve the problem or at least categorize it.

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La semana pasada, mis amigos y yo nos decidimos por fin a visitar la nueva exposición del IMMA “As above, so below: Portals, Visions, Spirits & Mystics”, una magnífica pieza curatorial que involucra a artistas muy conocidos desde los últimos años del siglo XIX hasta nuestros días y se encuentra dividida en cuatro secciones tituladas Portales (1), Debajo (2), Encima (3) y Más allá (4), evitando esta vez la clásica estructura por orden cronológico.

En la fachada principal que da acceso al Museo Irlandés de Arte Moderno (IMMA), nos encontramos con una instalación “Interventu” del artista brasileño Stephan Doitschinoff  que nos va a posicionar de manera magistral hacia el tipo de experiencia que esta apunto de comenzar. Una vez dentro, disfrutaremos de trabajos de artistas de la talla de Wassily Kandinsky, Alejandro Jodorowsky, Hilma af Klint or Aura Satz – por nombrar algunos – versando siempre al rededor de los conceptos de espiritualidad y posibles mundos paralelos.

Me encantaría escribir alguna entrada más durante la próxima semana a cerca de otros artistas aquí expuestos, pero por el momento quiero centrarme en el trabajo de Susan Hiller [ Cleveland, Ohio, 1940] ya que me pareció una obra tremendamente conmovedora y es una artista completamente desconocida para mí.

Lo que me pareció tremendamente cautivamente, una vez empecé a investigar a la artista, es la manera en la que, especialmente en sus primeros trabajos, decide posicionarse en contra de las rígidos confines del Conceptualismo y  lo hace usando sus mismas herramientas; series de imágenes, duplicidad, rigidez, el uso de la cuadrícula, etc. Pero su transgresión aparece precisamente cuando se diferencia de los objetos de estudio tradicionales del Arte Conceptual y llena su trabajo de subjetividad, usando una visión personal y atractiva, como podemos apreciar en “Rough Seas” más abajo. La obra de Susan versa alrededor de la idea de cierto “artefactos culturales” que son producidos por nuestra sociedad actual, y son tratados con la ironía necesaria, bien con la intención de resolver el problema o como mínimo categorizarlo.

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     Homenage to Marcel Duchamp. Aura. Blue Boy. (2011) | Currently at IMMA’s exhibition “As above, so bellow”.

Midnight, Euston. (1983)

Rough seas. (1982)

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IMMA’s “As above, so bellow”: http://www.imma.ie/en/page_237202.htm

Susan Hiller: http://www.susanhiller.org/home.html

Perimeter| WILLY VERGINER

P•erimeter; a line bounding or marking off an area.

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Arts and Craftsmanship become the same thing in the work of Willy Verginer [ Bressanone (Italy), 1957]. His work is being highly influenced by his own roots, the landscape and the beauty of materials. Always trying to find the most suitable type of wood for each work showing the relationship between nature and philosophy.

I can’t help but relate his art with Robert Rauschenberg’s first “combine” works as Monogram (1950), where we have this stuffed goat passing through an automobile tire displayed over a wooden platform. Verginer believes there are not such a thing as contemporary materials as at the end it will depend on how they are used and they will always be subordinated to the idea and the work.

It is an absolutly plesure to see how he applies the resin over the wood, starting from the face and dripping down to the body. There are some videos in youtube where you can find his work in process for his exhibition in La Biennale di Venezia 2009; Doctor Frankenstein at his best.

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Arte y Artesanía se vuelven uno en la obra de Willy Verginer [ Bressanone (Italia), 1957]. Su trabajo se ve muy influenciado por sus propias raíces, el paisaje y la belleza de los materiales. Centrándose en la relación entre naturaleza y filosofía, trata siempre de encontrar el tipo de madera más adecuando para cada obra.

Es inevitable relacionar su línea de trabajo con el artista americano Robert Rauschenberg y sus primeras “combine” allá por los años 50. En Monograma por ejemplo, vemos a una cabra embutida en un neumático de automóvil y expuesta sobre una plataforma de madera. Verginer opina que no hay materiales más o menos contemporáneos, sino que la contemporaneidad de los mismos radica en cómo se usen, estando siempre subordinados a la idea en última instancia.

Es realmente un placer ver como aplica la resina sobre la madera, empezando por la cara y goteandola hacia el resto del cuerpo. Hay varios videos en Youtube y Vimeo donde podéis echar un vistazo a su proceso de trabajo para la Bienal de Venecia; el viejo Doctor Frankenstein en su mejor momento.

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Occhi Rossi. Apple wood and acrylic.

Schatten im Wasser, 2016. Liden wood and acrylic painting

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Willy Verginer site: http://www.verginer.com/eng/index.php

Artsy: https://www.artsy.net/artist/willy-verginer

La Biennale di Venezia: http://www.labiennale.org/en/Home.html

Park | JENNIFER CUNNINGHAM

P•ark: an area of land, usually in a largely natural state, for the enjoyment of the public, having facilities for rest and recreation, often owned, set apart, and managed by a city, state or nation.

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This is the second post in a row  where I’m writing about an artist work exhibited at the RHA Gallery (Dublin), cause I am being constantly surprised by the quality and coherence of its temporal exhibitions.

Jennifer Cunningham [Galway, Ireland] wisely titled her show “All that surround us”. The audience is challenged to beam themselves up to an atmosphere of anachronic decay created by pieces using mixed media (drawings, installation and video) where ghostly figures, abandoned fairgrounds and glass houses in ruins are the main protagonists.

You got the feeling of a certain naive optimism where change and new opportunities are around the corner, mixed with the remains of the recent economic struggles. There is something touching a universal about this show, like listening to that extremely sad song that nevertheless, somehow, makes you happy. A good dosis of Paracetamol tablets for the soul.

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Sé que es la segunda publicación que hago recientemente sobre el trabajo de un artista que expone en el RHA Gallery (Dublín) pero lo cierto es que cada vez que visito este museo me sorprendo más con la calidad y coherencia de sus exposiciones temporales.

Esta vez os voy a hablar del show de Jennifer Cunningham [Galway, Irlanda] titulado muy acertadamente “All that surround us” – Todo lo que nos rodea . El espectador es teletransportado a una atmósfera de decadencia anacrónica creada por obras en dónde figuras fantasmagóricas, parques de atracciones abandonados e invernaderos en ruinas son los principales protagonistas, usando para ello diferentes medios como pintura, video o instalaciones, entre otros.

Te acompaña un sentimiento de optimismo ingenuo, en dónde el cambio y las nuevas oportunidades están a la vuelta de la esquina y comparten espacio con los restos de la reciente crisis económica y los problemas que de ella derivaron. Hay algo de universal y conmovedor en este show, como escuchar esa canción extremadamente triste que sin embargo te hace feliz; una buena dosis de Paracetamol para el alma.

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“A girls World” video.

“Darkness on the edge of town” 30×22 inch, mixed media.

“Unnamed”, mixed media.

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Jannifer Cunningham website: https://jennifercunningham.ie/

Royal Hibernian Academy Gallery http://www.rhagallery.ie/